Клаудио Монтеверди родился в Кремоне. Точно известна лишь дата его крещения – 15 мая 1567 года.
Кремона – североитальянский город, издавна славился как университетский и музыкальный центр с
превосходной церковной капеллой и чрезвычайно высокой инструментальной культурой. В XVI– XVII
веках целые семейства знаменитых кремонских мастеров – Амати, Гварнери, Страдивари –
изготовляли смычковые инструменты, равных которым по красоте звука не было нигде.
Отец композитора был медиком, сам он, возможно, получил университетское образование и еще в
юности сложился не только как музыкант, искусный в пении, игре на виоле, органе и сочинении
духовных песен, мадригалов и канцонетт, но и как художник весьма широкого кругозора и
гуманистических взглядов. Сочинению его обучал известный тогда композитор Марк Антонио
Индженьерн, служивший капельмейстером кремонского собора.
В 1580-х годах Монтеверди жил в Милане, откуда, по приглашению герцога Винчензо Гонзага, он
двадцати трех лет от роду отправился к мантуанскому двору в качестве певца и виртуоза на виоле.
Впоследствии (с 1601 года) он стал придворным капельмейстером у Гонзага. Документальные
материалы, и, прежде всего, переписка самого композитора, говорят о том, что жизнь его была там
отнюдь не сладкой, он страдал от деспотизма и жадности своих меценатов, властно и мелочно
опекавших его труд и обрекавших его на подневольное, жалкое существование". Я предпочел бы
просить милостыню, чем подвергаться снова такому унижению", – писал он впоследствии. Тем не
менее, именно в этих трудных условиях Монтеверди окончательно сформировался как зрелый и
притом выдающийся мастер – создатель произведений, обессмертивших его имя. Усовершенствованию
его искусства способствовала повседневная работа с превосходными
ансамблями придворной капеллы и церкви Св. Варвары, странствования по Европе в свите Гонзага в
Венгрии, Фландрии, общение с выдающимися современниками, среди которых были такие
гениальные художники, как, например, Рубенс. Но особенно важным фактором прогресса была для
Монтеверди свойственная ему скромность, неустанный труд и исключительно строгая
взыскательность к собственным сочинениям В 1580-1600-х годах в Кремоне, Милане и Мантуе были
написаны первые пять книг прекрасных мадригалов пятиголосного склада.
Значение этого жанра в формировании творческого метода и всей артистической
индивидуальности мастера было огромно. Дело не только в том, что в наследии Монтеверди
мадригал количественно доминирует над другими (всего около двухсот произведений на тексты
Тассо, Марине, Гварини, Стриджо и других поэтов). Именно эта жанровая сфера стала для
Монтеверди творческой лабораторией, где им еще в молодости предприняты были самые смелые
новаторские начинания. В хроматизации лада он значительно опередил мадригалистов XVI столетия,
не впадая, однако, в субъективистскую изощренность и произвол Огромным прогрессивным
приобретением Монтеверди явилось блистательно осуществленное слияние ренессансной полифонии
и нового гомофонного склада – драматически индивидуализированной мелодии разнообразнейших
типов с инструментальным сопровождением. Эта, по определению самого композитора, "вторая
практика", нашедшая полное и яркое выражение в пятой книге пятиголосных мадригалов, стала
путем к достижению высшей эстетической цели художника, к поиску и воплощению правды и
человечности. Потому, в отличие, скажем, от Палестрины, с его религиозно-эстетическими идеалами,
Монтеверди, хотя и начинал свой путь с культовой полифонии, со временем утвердился в чисто
светских жанрах.
Ничто не привлекало его так, как обнажение внутреннего, душевного мира человека в его
драматических коллизиях и конфликтах с окружающим миром. Монтеверди – подлинный
первооснователь конфликтной драматургии трагедийного плана. Он – истый певец душ человеческих.
Он настойчиво стремился к естественной выразительности музыки. "Речь человеческая –
повелительница гармонии, а не служанка ее". Монтеверди – решительный противник идиллического
искусства, не идущего дальше звукописи "амурчиков, зефирчиков да сирен". И поскольку его герой –
герой трагический, "мелопоэтические фигуры" его отличаются остро напряженным, зачастую
диссонантным интонационным строем. Закономерно, что этому мощному драматическому началу,
чем дальше, тем более тесно становилось в границах камерного жанра.
Постепенно Монтеверди приходил к различению "мадригала жестов" и "мадригала
нежестикулированного. Но еще раньше драматургические поиски привели его на путь оперного
театра, где он сразу же выступил во всеоружии "второй практики" с первыми мантуанскими операми
"Орфей" (1607 год) и "Ариадна" (1608 год), принесшими ему громкую славу.
С его "Орфея" и начинается история подлинной оперы. Предназначенный для типичного
придворного празднества, "Орфей" написан на либретто, явно связанное со сказочной пасторалью и
роскошными декоративными интермедиями – этими типичными атрибутами придворной эстетики.
Но музыка Монтеверди превращает гедонистическую сказочную пастораль в глубокую
психологическую драму. Кажущаяся пастораль характеризуется столь экспрессивной, индивидуально-
неповторимой музыкой, овеянной поэтической атмосферой скорбного мадригала, что она и по сей
день воздействует на нас.
" Ариадна трогала потому, что она была женщиной, Орфей – потому, что он простой человек
Ариадна возбуждала во мне истинное страдание, вместе с Орфеем я молил о жалости " В этом
высказывании Монтеверди заключена и сущность его собственного творчества, и главная суть
переворота, произведенного им в искусстве. Мысль о способности музыки воплощать "богатство
внутреннего мира человека" при жизни Монтеверди не только не была избитой истиной, но
воспринималась как нечто неслыханно новое, революционное. Впервые на протяжении тысячелетней
эпохи земные человеческие переживания оказались в центре композиторского творчества подлинно
классического уровня.
Музыка оперы сосредоточена на раскрытии внутреннего мира трагического героя. Его партия
необычайно многогранна, в ней сливаются различные эмоционально-выразительные токи и жанровые
линии. Он восторженно взывает к родным лесам и побережьям или оплакивает потерю своей
Эвридики в безыскусственных песнях народного склада.
В речитативных диалогах страстные реплики Орфея написаны в том взволнованном, по более
позднему выражению Монтеверди, "смятенном" стиле, какой он сознательно противопоставлял
однообразному речитативу флорентийской оперы. Образ героя, его вдохновенного искусства,
счастливой любви и тяжкой утраты, его жертвенный подвиг и достижение цели, трагическая развязка
и конечный олимпийский триумф певца – все это поэтически воплощено на фоне контрастно
сменяющихся музыкально-сценических картин.
По всей опере щедрой рукою рассыпаны певучие мелодии, всегда созвучные облику действующих
лиц и сценическим положениям. Композитор отнюдь не пренебрегает полифонией и время от
времени сплетает свои напевы в изящную контрапунктическую ткань. Все же гомофонный склад
господствует в "Орфее", партитура которого буквально сверкает смелыми и драгоценнейшими
находками хроматических гармоний, красочных и в то же время глубоко оправданных образно-
психологическим содержанием того или иного эпизода драмы.
Оркестр "Орфея" был по тем временам огромен и даже чрезмерно многолик по составу, он отразил
тот переходный период, когда еще много играли на старых инструментах, унаследованных от
Возрождения и даже от средних веков, но когда уже появлялись новые инструменты, отвечавшие
новому эмоциональному строю, складу, музыкальным темам и выразительным возможностям.
Инструментовка "Орфея" всегда эстетически созвучна мелодии, гармоническому колориту,
сценической ситуации. Инструменты, которые сопровождают монолог певца в подземном царстве,
напоминают о его искуснейшей игре на лире. В пасторальные сцены флейты вплетают бесхитростные
мелодии пастушьих наигрышей. Рев тромбонов сгущает атмосферу страха, окутывающую
безрадостный и грозный Аид. Монтеверди – подлинный отец инструментовки, и в этом смысле
"Орфей" – опера основополагающая.
Что касается второго оперного произведения, написанного Монтеверди в Мантуе, – "Ариадны"
(либретто О. Ринуччини, речитативы Я. Пери), то оно не сохранилось. Исключение – всемирно
знаменитая ария героини, которую композитор оставил в двух вариантах: для пения соло с
сопровождением и в более позднем – в виде пятиголосного мадригала. Ария эта – редкой красоты и
по праву считается шедевром ранней итальянской оперы.
В 1608 году Монтеверди, давно тяготившийся своим положением при герцогском дворе, покинул
Мантую. Он не склонился перед своими властолюбивыми покровителями и остался гордым,
независимым народным художником, высоко несущим знамя человечного искусства. После недолгого
пребывания у себя на родине в Кремоне, в Риме, Флоренции, Милане, Монтеверди в 1613 году
принял приглашение в Венецию, где прокураторы Сан-Марко остановили свой выбор на нем как
капельмейстере этого собора.
В Венеции Монтеверди предстояло выступить во главе новой оперной школы. Она во многом
отличалась от своих предшественниц и далеко обогнала их. Это объяснялось иными местными
условиями, иным исторически сложившимся соотношением общественных сил и идейных течений.
Венеция той эпохи – город с республиканским устройством, низложенной аристократией, с богатой,
политически сильной, культурной буржуазией и дерзновенной оппозицией папскому престолу.
Венецианцы в эпоху Возрождения создали свое искусство, более светское, жизнерадостное,
реалистическое, чем где-либо еще на итальянской земле. Здесь в музыке с конца XVI века особенно
широко и ярко проросли первые черты и предвестники барокко. Первый оперный театр Сан-Кассиано
был открыт в Венеции в 1637 году.
Это не была "академия" для узкого круга просвещенных гуманистов-аристократов, как во
Флоренции. Здесь папа и его двор не имели власти над искусством. Ее сменила власть денег.
Венецианская буржуазия построила себе театр по собственному образу и подобию: он стал
коммерческим предприятием. Источником дохода стала касса. Вслед за Сан-Кассиано выросли в
Венеции другие театры, всего более десяти. Появилась и неизбежная конкуренция между ними,
борьба за публику, артистов, доходы. Вся эта коммерчески-предпринимательская сторона наложила
отпечаток на оперно-театральное искусство. В то же время оно впервые стало зависимым от вкусов
широкой публики. Это отразилось на его размахе, репертуаре, постановочной части, наконец, на
стиле самой оперной музыки.
Творчество Монтеверди стало кульминационным моментом и могучим фактором прогресса
итальянского оперного искусства. Правда, и Венеция не принесла ему полного освобождения от
зависимости. Он приехал туда регентом, возглавившим вокально-инструментальную капеллу Сан-
Марко. Он писал культовую музыку – мессы, вечерни, духовные концерты, мотеты, и церковь, религия
неизбежно оказывали на него влияние. Выше уже говорилось, что, будучи по природе своей светским
художником, он принял смерть в духовном сане.
В течение ряда лет, предшествовавших расцвету венецианского оперного театра, Монтеверди был
вынужден и здесь обслуживать меценатов, правда, не таких властных и всесильных, как в Милане или
Мантуе. Дворцы Мочениго и Гримани, Вендрамини и Фоскари были роскошно украшены не только
картинами, статуями, гобеленами, но и музыкой. Капелла Сан-Марко нередко выступала здесь на
балах и приемах во время, свободное от церковной службы. Наряду с диалогами Платона, канцонами
Петрарки, сонетами Марине, любители искусства увлекались мадригалами Монтеверди. Он не
оставил этого любимого им жанра в венецианский период и именно тогда достиг в нем наивысшего
совершенства.
В Венеции написаны были шестая, седьмая, восьмая книги мадригалов, продолжавших играть роль
жанра, в котором Монтеверди экспериментировал, перед тем как созданы были его последние оперы.
Но венецианские мадригалы имели и огромное самостоятельное значение. В 1838 году появился
интереснейший сборник "Мадригалы воинственные и любовные". В нем сказалась глубокая
психологическая наблюдательность художника; музыкально-поэтическая драматизация мадригала
доведена там до последнего возможного тогда предела. В этот сборник вошли и некоторые более
ранние произведения. "Неблагодарные женщины" – интермедия мантуанского периода и знаменитое
"Единоборство Танкреда и Клоринды" – великолепная драматическая сцена, написанная в 1624 году
на сюжет из "Освобожденного Иерусалима" Тассо, предназначенная для исполнения с театральными
костюмами и бутафорией.
В течение тридцати лет, прожитых в Венеции, Монтеверди создал большинство своих музыкально-
драматических произведений для театрального или камерно-сценического представления.
Что касается собственно опер, то их всего у Монтеверди восемь: "Орфей", "Ариадна", "Андромеда"
(для Мантуи), "Мнимо безумная Ликори" – одна из первых комических опер в Италии, "Похищение
Прозерпины", "Свадьба Энея и Лавинии", "Возвращение Улисса на родину" и "Коронование Поппеи".
Из венецианских опер лишь две последние сохранились.
Самым значительным произведением Монтеверди венецианского периода стала опера
"Коронование Поппеи" (1642 года), законченная незадолго до того, как он умер в зените своей славы
"оракула музыки", – 29 ноября 1643 года. Эта опера, созданная композитором, когда ему было
семьдесят пять лет, не только венчает его собственный творческий путь, но безмерно возвышается
над всем, что было создано в оперном жанре до Глюка. Породившие ее смелость и вдохновенность
мысли неожиданны в таком преклонном возрасте.
Разрыв между "Коронацией Поппеи" и всем предшествующим творчеством Монтеверди разителен
и необъясним. Это в меньшей мере относится к самой музыке: истоки музыкального языка "Поппеи"
можно проследить в исканиях всего предыдущего, более чем полувекового периода. Но общий
художественный облик оперы, необычный как для творчества самого Монтеверди, так и для
музыкального театра XVII века вообще, в решающей степени предопределен оригинальностью
сюжетно-драматургического замысла. По полноте воплощения жизненной правды, широте и
многогранности показа сложных человеческих взаимоотношений, подлинности психологических
конфликтов, остроте постановки нравственных проблем ни одно из дошедших до нас других
произведений композитора не может сравниться с "Коронацией Поппеи".
Композитор и его талантливый либреттист Франческо Бузенелло обратились к сюжету из
древнеримской истории, воспользовавшись хрониками античного писателя Тацита: император Нерон,
влюбленный в куртизанку Поппею Сабину, возводит ее на престол, изгнав прежнюю императрицу
Октавию и предав смерти противника этой затеи, своего наставника философа Сенеку.
Картина эта написана широко, многогранно, динамично. На сцене – императорский двор, его
вельможи, мудрец-советник, пажи, куртизанки, слуги, преторианцы. Музыкальные характеристики
действующих лиц, противопоставленные друг другу, психологически точны и метки. В быстром и
многоликом действии, в пестрых и неожиданных сочетаниях воплощены различные планы и полюсы
жизни, трагические монологи – и едва ли не банальные сценки с натуры; разгул страстей – и
философские созерцания; аристократическая утонченность – и безыскусственность народного быта и
нравов.
Монтеверди никогда не был в центре моды, никогда не пользовался такой же широкой
популярностью, как та, что выпадала на долю некоторых более "умеренных" сочинителей мадригалов,
а позднее – композиторов "легких" канцонетт и арий. Он был настолько независим от взглядов и
вкусов современников, настолько шире их по своей художественной психологии, что в одинаковой
мере принимал и старинное, полифоническое и новое, монодическое письмо.
Сегодня бесспорно, что именно Монтеверди – "основоположник современной музыки". Именно в
творчестве Монтеверди сложился тот строй художественного мышления, который характерен для
нашей эпохи.
